本文目录

1. 鲜果切怎么摆地摊
2. 美食摄影应该怎么做
3. 《1917》的一镜到底是怎么拍的
4. 油画怎么调大面积，红色静物红布

鲜果切怎么摆地摊

有讲究的摆放方式和场地选择可以提高鲜果切地摊的效益和吸引力。一般来说，可以采取以下几个步骤摆放地摊：1.选择人流较多的地段，如商业街、学校门口等；2.确定地摊的大小和样式，一般来说可以选择简单的桌椅组合或者搭建简易棚架；3.将水果切好并放置在整洁干净的盘子中，保持良好的卫生环境；4.在地摊上摆放好切好的水果，以色彩鲜艳、品种多样为宜；5.使用标识牌或广告牌宣传自己的品牌和商品特色，吸引更多的顾客。通过以上的摆放方式，可以增加鲜果切的销售量和知名度，提高地摊的效益。

美食摄影应该怎么做

美味的食物需要适宜的器皿作为载具，或热气腾腾或温润清凉地盛放在食客的面前。所以作为静物摄影的一部分，美食摄影就需要将这二者的关系体现出来，通过镜头传达摄影师眼中的美学。

通常来说，“写实派”的美食摄影会通过生活化的场景搭配以及自然光的光影效果来体现生活一隅中的画面，在道具搭配的选择上也会偏向这一主题风格，通过适宜的光线表现静物的质感，温度以及情绪。

以这张照片为例，拍摄的主题是各种器皿的静物摄影。由于没有食物的参与，所以照片的重点意在以简单明了的深色背景，衬出体现不同器皿本身的质感；通过多种构图方式合理地布局，将观者的视觉做方向性的引导。

下面这组照片是想通过四张作品，以循序渐进的表现形式来做一个具有关联性的创作。包括了最初的载具、各味的调味料，再到丰富的食材，以及成品与该菜创作者的合影。在整体的创作上选择了统一的黑色背景，让背景暗下去，利用光影突出主体。单一的背景与丰富的主体，对比强烈，主题明确。

这张照片的主题为的是突出“味”，各种调味品之间的融合与平衡。由于拍摄的画面较大，东西很多，所以在镜头上选择了容易拍摄完整画面的EF24-70mmf/2.8LISIIUSM镜头。关于这张照片的拍摄，我更想分享的是大家可能没有注意到的细节。

例如，如果想要物体看上去立体，光影一定要有明暗变化。此时，灯的高度就很重要，不仅仅是角度的问题。灯在较低的位置，投射在物体上的光产生的影子则会多；灯在较高的位置，则会减少影子的产生。另外，影子的方向也要注意，除非是刻意营造的视觉效果，一般情况下影子不应该在画面的上方，否则会有种照片拿反的错觉。

拍摄布置图

这张照片是食材之间的搭配，突出一个“鲜”。以新鲜食材为载体，直观地呈现食物之间的美学。在食材颜色的选择上也有做考量，尽量做到颜色之间的平衡，避免因为数量繁多而使得画面没有规则。

因为食材数量较多，所以在构图上也选择了既有合理放置所有食材的空间，同时能使画面看起来有节奏，有方向性的Z形构图。EOS5DMarkIV的高画质能较好地保留画面的细节，图像的画质有所保证，即便是拍摄物体数量很多一样能兼顾到整体合细节。加上raw格式图片可以有很大的后期优化空间。

在我们品尝美味菜肴的时候，是否会感谢大厨的用心呈现呢？所以这个系列的最后一张，也是最有意义的一张，就是将用心奉献，把美味带给各位食客的这位美食背后的男人：大厨，带到食客的面前。目的是希望大家在品尝美食的时候也能记得是谁在背后默默付出为我们调制美味佳肴。

关于下午茶，我就地取材，拍摄了一组。下午茶讲究的是轻松舒适、美好惬意，因此整体风格选择了比较明快的调子，明调拍摄需要注意的是是否有白色的物体过曝。

道具上，选择了以少女心为主的柔美风格。浅粉色的玫瑰、绣球花、几瓣花瓣散落在桌上和茶杯里作为装饰，一切道具都是为烘托下午茶气氛。自然光拍摄的局限性是显而易见的，尤其是平时用惯了闪光灯的设置，所以相机本身的优势会减少很多前期的硬伤。

在布光方面，虽然在lifestyle生活风格的摄影里，柔光是体现美食和器皿质感是很好的方式。但如果想要表现硬派、高对比、明暗对比强烈等这样的效果，就适合选择硬光来表现。以这张照片为例，水杯是透亮的，用反光板对暗部进行适当的补光，不会让食物的暗部太黑，大面积的浅色背景虽然明亮但不会有过爆的地方，影子的方向也符合图片整体效果，大面积的影子没有挡住主体，这些要素前期均需要注意。

有时，食物在硬光的光线下同样也会有很多出彩的视觉效果。尤其配合比较“硬派”的食物，明暗对比强烈、层次分明的硬光会更好地体现出硬派的情绪，几何感和设计感更突出。在色彩的搭配上也可以选用颜色对比强烈的大胆碰撞，抓住眼球。

近距离体现食物的时候一定要注意食物的状态：看其表面是否风干发黑，是不是没光泽等等。大部分时候需要涂抹一些清油来增加表面的光泽度，让食物看上去更亮泽，更有食欲。

这两年美食摄影突然受到了大众的关注，在这样的大环境下，如何拍好一张合格的美食照的标准会越来越高。不断的创新和发现生活中的美学，才是让自己不被淘汰的基本要求。

《1917》的一镜到底是怎么拍的

有人欢喜有人失意。马丁老爷子全程陪跑，而此前在奥斯卡前哨一路披荆斩棘，被看好的大热门《1917》则与最佳导演和最佳影片失之交臂。当然，亚洲电影能被欧美主流电影话语体系认可确实不易，《寄生虫》也在类型化、艺术与商业的平衡、故事价值观上都做到了极致。但今年入围奥斯卡最佳影片的如《1917》《爱尔兰人》等确实同为顶级作品，我们今天要说的便是《1917》。

在今年入围影片中，《1917》是一部较为特殊的影片，以长镜头创作战争题材，尤其是聚焦一战，这在过往战争片中是极为罕见的。此外，不管是以小人物视角传达出的反战主旨，还是技术实验下对沉浸式视听的新探索，这部被誉为21世纪最美的战争片，自然有着它独特的迷人之处。

小人物视角下的反战主题《1917》的故事其实很简单。1917年一战期间，德军从战场撤退到兴登堡防线后，长期与德军僵持的前线英军准备进攻兴登堡防线，消灭对手，但他们并不知这是德军的陷阱。关键时刻，两名士兵被派往生死前线传达“停止进攻”的命令，他们要越过敌人锋线和战壕拯救1600名战士的生命，时间只有8个小时。

这个故事是导演萨姆·门德斯以经历过一战的祖父讲述的故事为灵感创作的，不过并非来源于他祖父的亲身经历。和《拯救大兵瑞恩》《血战钢锯岭》一样，《1917》选择了以战争中的小人物切入，以两位16岁的少年将观众代入战争。相比于《血战钢锯岭》中主角的圣人光环（虽然改编自真实故事），《1917》中的士兵或许更真实。两位少年沿途遇到的士兵，他们只能靠烟、酒及恶搞笑话、吐槽德国人来打发时间，似乎只有这种疲态能让他们忘记战争的创伤，而另一些即将面临战役的士兵，聚集在林间听着归乡的民谣，眼神里却尽是迷惘、悲伤、无望。

影片中，主人公之一斯科菲尔德前半程显然带着对任务的抗拒和抱怨，质疑同伴布雷克为什么要挑上自己，厌战的他，对于荣誉的态度也很是冷漠，可以直接把勋章换酒喝。直到布雷克牺牲，那份拯救同胞的信念才让斯科菲尔德一往无前，顶着枪林弹雨前行、与敌人肉搏、以超强的意念去传达命令。

但这并不影响影片对一战荒诞性的控诉。两位少年以命相博最终完成了任务，但正如接受命令的麦肯锡上校所言：“他们今天派士兵来让我们停止攻势，很快又会再派一两个来告诉我们黎明发起冲锋，这场战争唯一的结束方式，就是最后一个人死掉。”

据悉，《1917》中还有一个被删掉的场景：将军在向两名士兵派发完几乎不可能完成的任务后，便开始铺上桌布享用下午茶。《1917》中，战争的残酷一览无余。无人区的死亡沼泽里遍布已经腐烂的尸体，落英缤纷的河流里同样人尸漂浮；原本世外桃源般的小镇被炸成了断壁残垣，火光将黎明前照耀得亮如白昼，恐怖气息蔓延；仍未断奶的婴儿只能被藏在五斗柜的抽屉里；对敌军怀有仁慈之心的士兵，转瞬却被反杀……

但《1917》同样也在呼唤柔情。因为哥哥在前线性命攸关，布雷克在执行任务的途中多了一丝超越稚气性格的英勇；斯科菲尔德将自己的食物和牛奶全部留给了饥饿的法国女人和她的婴儿；在性命结束的最后一刻，布雷克将家人的照片死死捂在胸口前；完成任务和队友的嘱托后，斯科菲尔德倚树休憩，阳光撒在他的脸上，也照亮了相片背后的一行字：“comebacktous”。

技术实验的得与失当然，资深影迷对好莱坞的战争片都如数家珍，此次《1917》与《拯救大兵瑞恩》《血战钢锯岭》等虽是同样的小人物视角，但其以“一镜到底”的独特视听圈粉了一众影迷。可以说，《1917》称得上是一部技术流影片，有过多年话剧导演经历的萨姆·门德斯努力将话剧上一气呵成的经验投入到了这部影片中。相比于蒙太奇，长镜头这种表现手法的优势便在于它所记录的时空是连续的，是实际的时空，所表现的事态进展也是连续的，而创作者主观干预的减少，也让故事更具真实性。但长镜头往往需要花费更大的成本和代价，此次《1917》拍摄时，不仅是置景上超远距离的战壕搭建和与演员同步的镜头调度极具难度，而且因必须顺时序拍摄，一旦天气发生变化，剧组只能停工先进行彩排。

其实，和《鸟人》是由10多个长镜头无缝衔接而成一样，《1917》也是伪一镜到底，仔细观察便可发现影片中有多处剪辑痕迹，只是“伪装”的很巧妙。相比于不少长镜头是为炫技所用，《1917》的一镜到底是为服务故事存在的，因为导演想呈现的是让摄影机跟着两位主角步伐前行，带来“创造现实”的沉浸式体验。

观众观看《1917》时，就像是在观战一场通关游戏，和主角同一视角去体验他们任务途中的“关卡”。因为长镜头的非跳跃性叙事，等量已知信息让观众和主角一样不具备“上帝视角”，所以情绪上便会和主角绑在一起，跟随他们体验纯粹的迷惘、恐惧、绝望、解脱，这种强代入感和未知性，以及时间流逝的真实性，也是影片虽故事简单，但紧张感从未消退的主因。但是，一镜到底也在某种程度上限制了《1917》。顺时序拍摄决定了影片中的大多数角色都不会重复出现，如开局的将军、废墟中如圣母般的女人、最终接受命令的上校等，他们本身都存在很大的挖掘空间，但最终却都成了NPC角色，不够有血有肉。此外，为了时空的连贯性，导演不得不将一些镜头消耗在路上，这稍微有点“资源浪费”。

此外，《1917》的故事设定本身也存在很大限制。“必须在八小时内完成使命”注定它没有《拯救大兵瑞恩》《血战钢锯岭》等影片更有角色塑造空间和叙事张力，不会出现显而易见的高潮。因此，打破常规场面调度下，一镜到底带来的沉浸式体验其实也在某种程度上掩盖了这些缺点。因为技术难度，一镜到底的影片在全球范围内数量并不多，因此观众对常见的蒙太奇拍摄手法更为亲切，而一镜到底多数时间都伴随着争议，《鸟人》和《1917》皆是如此。不过，《1917》这种“虚拟现实”下的后现代影像，这种更接近“电子游戏”的介质，其实也是对传统战争片宏大叙事的解构，导演希望能通过这种新形式让更多年轻人来观看历史片。

油画怎么调大面积，红色静物红布

虽然橘君也很喜欢画画，但也是停留在读书时期了。由于听妈妈的话，被动选择了其他专业，在画画的这条道路上戛然而止！对于你的提问，根据我的理解拆分成五个小词^-^：

分别是，油画，大面积，红色，静物，红布！

首先说一下大面积油画，

工欲善其事，必先利其器。上底色或者大面积做效果，都需要大面积有耐性平涂，想均匀，买个羊毛排刷，十块钱左右，用大碗调好颜料。画板竖着靠墙，然后拍刷蘸好颜料，从左上角开始。自左向右，自上而下刷好，不要重复刷，颜料一次不要太浓，可以调淡一点，刷几遍。切记要干透后才能上第二遍颜料。还有就是实践多了。自然就刷均匀了。

接下来再说说什么是静物？

静物一词源于荷兰语，指一种描绘水果、花卉、桌上用具等无生命东西的绘画。一般认为，静物作为一个独立画种的出现。作画人必须经过认真的选择，经过精心地摆布和安排，使许多物体在形象和色调的关系上，都能达到高度表现，总的谐和，能传出物象内在的感情。

而最大的难题应该是：红色静物，红布，

这里所说的红布应该就是红色衬布，而衬布是为了衬托主体物，所以尽可能不要把衬布表现的过火或者过冷，即便是画面中有蓝色衬布或红色衬布，也要考虑整体的色调关系进行降调处理，达到画面和谐统一感。

红色的衬布：固有色：正红+牙黄(多)+土黄(少)+白(少)，固有色60%以上环境色少，灰多些暗部少;环境色：亮，黄绿，赭石浅绿，紫灰;暗部：蓝+深绿，橄榄绿;提亮：固有色+少量白、肉色、柠檬黄、米黄。物体前的布提亮光源统一，投影要重。

而红色静物与红布之间的对比往往是最难的！不至于喧宾夺主，也不要傻傻的分不清！为了将红色静物和红色衬布完美融合，又主次分明，我们可以寻着以下规律：

1.色彩的空间透视：如同样的东西，近的暖，远的冷，近的鲜明，远的模糊等

2.光与色的客观变化规律：早晨和傍晚的日光，灯光为暖色，中午的阳光，灯光，天光多为冷色等

3.色彩的冷暖关系，即补色关系。

最后橘君本人也很喜欢红色为主调色的油画，红色透露出一种浓烈神秘的宗教色彩，让人浮想联翩，期待你的画作哦～

关于本次前面桌布投影怎么弄好看和美食摄影应该怎么做的问题分享到这里就结束了，如果解决了您的问题，我们非常高兴。